Technique du mandala en peinture et dessin
Les techniques de peinture du mandala: acrylique, gouache, pastels gras et sec, dessin, divers crayons de couleurs, feutres, craie, collage, land'art, etc...
Approche technique du mandala créatif
Conseils pratiques
Nombre de fresques étaient réalisées avec de l’argile dilué à l’eau ou avec du charbon. Ces fresques ont bien résisté au temps puisque nous pouvons encore les voir. Leur sens originel n’est pas clairement défini. L’art pour l’art ? L’art sacré pour protéger et bénir ?
Toujours est-il que les techniques de peinture et la technique du mandala en particulier, a évolué (heureusement) et renvoie à un savoir faire que j’aborde ici à la lumière de mon expérience personnelle d'artiste plasticien.
Choix de la peinture
Il est propre à chaque artiste... Personnellement, j'ai une préférence pour la peinture acrylique. Ceci pour des raisons pratiques.
Avantage pratique de la peinture acrylique :
Séchage rapide (quelques minutes)
Dilution et nettoyage à l’eau
Faible odeur et indélébilité
La peinture acrylique est composée de pigments et de résines synthétiques, et beaucoup de médiums et additifs permettent de modifier son application et sa texture.
Séchage rapide (quelques minutes)
Dilution et nettoyage à l’eau
Faible odeur et indélébilité
La peinture acrylique est composée de pigments et de résines synthétiques, et beaucoup de médiums et additifs permettent de modifier son application et sa texture.
Stage pratique pour réveiller l'artiste en vous !
Découvrez les techniques du mandala créatif
[ + de 17 heures | Tout niveau - Stage créativité en weekend ]
(Aucune expérience artistique et/ou aptitude n'est requise.) Au programme... 
Voir ici les mandalas créatifs réalisés par les ex-stagiaires 
-
Au programme
- Initiation aux techniques de dessin et de peinture du mandala créatif
- Mandalas collectifs et mandalas individuels
- Méditation dynamique pour favoriser le lâcher prise
- Moult exercices de peinture pour rebooster votre créativité
- …Et bien sûr du rire et de la joie !
-
Tu découvriras
- Plusieurs techniques d'approche du mandala Tu réaliseras
- 2 Mandalas collectifs
- 6 mandalas individuels
- 1 mandala structuré sur toile
Le degré d’appréciation technique d’une œuvre est subordonné à la subjectivité du regard et l’influence de mon aliénation culturelle. Tout système social ne base t’il pas ses principes sur la volonté d’une minorité influente d’imposer de gré ou de force à la majorité, un système d’organisation conventionné par des règles ? L’aliénation est là. Ma véritable liberté d’expression est biaisée d’office. Dans le domaine de l’art cette minorité influente se compose d’artistes, d’enseignants, de critiques d’arts, de galeristes et de journalistes entre autres qui se veulent être les détenteurs privilégiés du juste regart. C’est une forme de dictature. Y échapper c’est risquer de se marginaliser. Et à quel prix ?
En art brut, par exemple, la cohérence esthétique s’appuie sur la spontanéité du geste et l’intuition pure. Ce qui remet en question tous les repères conventionnels de la peinture dispensés notamment dans les anciennes écoles d’art académiques, et les techniques associées qui en découlent.
Idem pour l’art dit naïf, primitif, singulier ou l’expression puérile des enfants vers laquelle tendent à revenir un certain nombre d’artistes après de longues investigations. Ce qui ramène l’art à sa liberté originelle.
Vivre la création en pleine conscience, libère des blocages existentiels et ouvre la porte d'éveil à ses potentialités créatrices.
La volonté d’enfermer la peinture dans un regard obtus et des règles techniques coercitives restreint insidieusement l’accès de l’art en tant qu’outil de liaison primordial des émotions. Sa dimension universelle est le propre de l’humanité et non d’une caste.
Quelles sont les règles qui régissent les techniques de la peinture ? Dans un absolu, aucune.
Selon moi, les règles sont un simple codage culturel du langage universel de l’art mû par une volonté d’appropriation de l’art. Elles sont comme des œillères, voire une sorte de censure qui procède de la volonté de filtrer partialement les visions spontanées issues du regard intérieur, jugées trop brutes ou non conformes aux exigences actuelles. Et d’imposer un code de communication technique supposé être au diapason de l’époque : Art moderne, contemporain, actuel… Cet enfermement de l’art bloque d’emblée l’élan créatif de la personne qui déciderait subitement de s’exprimer par la peinture au nom de la liberté d’expression, sans autre but que celui de répondre naturellement à une pulsion créatrice.
L’agencement des formes et des couleurs n’est plus soumis aux règles édictées par la volonté de reproduire la réalité
telle que l’œil la voit concrètement. Volonté qui était et reste un enjeu technique dont le paroxysme a pourtant été atteint avec la peinture dite classique. Une peinture qui tend à vouloir reproduire la réalité n’est pas toujours révélatrice du talent de l’artiste mais de son aptitude à se plier conscienseusement à des règles rigoureuses et à les appliquer, qu’il y fasse ou non passer sa sensibilité d’artiste.
Voilà mon point de vue. A fortiori à notre époque où les nouvelles techniques de l’image, toujours plus performantes, remettent en question l’opportunité du défi technique de la peinture réaliste qui continue pourtant de fasciner un large public. Cette volonté de vouloir reproduire distinctement la réalité a progressivement amené des artistes talentueux à ne plus vouloir la copier mais à l’exprimer par des techniques nouvelles qui véhiculent plus librement leur sensibilité et originalité. Ce qui a donné naissance à de puissantes écritures picturales tels que l’impressionnisme et toutes les autres expressions libres qui ont fait école depuis, ayant clairement ouvert les vannes de la créativité picturale, de l’abstraction à l’art conceptuel…
Comment trouver ses propres repères dans cette jungle culturelle ?
La volonté de reproduire fidèlement la réalité a permis de découvrir de nombreuses techniques de peinture.
Les artistes talentueux et audacieux comme Picasso, pour ne citer que lui, avaient rapidement maitrisé la peinture dite classique avant de partir à la conquête d’autres techniques d’expression. Et dans la peinture actuelle, je vois bien que certaines règles communes se retrouvent. Je n’ai pas la prétention de les répertorier toutes mais de partager quelques unes des règles que je maîtrise. Le style s’affirme au gré de la fréquence de la pratique et de l’expérimentation sur le terrain des nouvelles techniques découvertes.
L’art a t’il besoin d’une dictature culturelle pour exister ?
Non, il continue d’exister à travers la palette étendue de sa liberté d’expression au-delà même de sa reconnaissance publique. Et heureusement ! Grâce aux courants révolutionnaires d’artistes marginaux et audacieux le regard actuel sur la peinture, et ses techniques en l’occurrence, a été largement remis en question.
Non, il continue d’exister à travers la palette étendue de sa liberté d’expression au-delà même de sa reconnaissance publique. Et heureusement ! Grâce aux courants révolutionnaires d’artistes marginaux et audacieux le regard actuel sur la peinture, et ses techniques en l’occurrence, a été largement remis en question.
L’expression picturale est désormais accessible à toute personne qui décide de s’exprimer par le biais de cette grande et libre voie d'expression qu’est la peinture.
et que la peinture réaliste exerce en moi un attrait certain, je relève les manches et vais prendre clairement des cours de dessin et peinture classique.
Il me faudra donc être patient pour obtenir des résultats probants. Sinon, je dois rester bien axé dans ma volonté de suivre le sentier de la libre créativité et être prudent en chemin. C'est-à-dire ouvert d’esprit. Un angle à 360 degrés.
La vigilance est de mise car c’est en accueillant ce que je crois être des maladresses que les déformations créeront ma force d’expression (mon style). Je rappelle que c’est en restant humblement ouvert à tout ce qui se passe que je trouve mon chemin dans la peinture. Mais s’il te plait ne reste pas divisé, la dualité rend agressif, fait fuir ou paralyse.
Les impressionnistes, par exemple, vont appliquer la peinture par touche tandis que les peintres classiques vont le faire en fondant les zones frontalières des couleurs. Le rendu sera différent selon le support utilisé (feuille, carton, bois, toile…), la consistance de la matière (diluée ou empâtée), l’outil utilisé pour appliquer la matière (pinceau, chiffon, éponge, couteau, pistolet...)… Bref, les techniques sont vraiment nombreuses. Mais je ne dois pas m’effrayer trop vite. Si les techniques se découvrent, s’expérimentent et se maîtrisent par la pratique, je peux rapidement réaliser des tableaux qui tiendront la route pour peu que je chemines en toute humilité.
Comment affiner son regard esthétique ?
En étant à l'écoute de mon intuition profonde et des émotions que suscitent en moi la beauté de mon tableau. Oui, mais je conseille dans un premier temps d’aller voir beaucoup d’expositions de peinture et de pratiquer souvent. Le plus souvent possible. Alors mon regard esthétique se moulera progressivement aux formes de ma réalité spirituelle et la peinture m’offrira une correspondance imagée de ma puissance créatrice.
Techniques du mandala individuel
Toutes les personnes qui dansent ne sont pas nécessairement des danseurs reconnus, et pourtant chacun s’octroie le droit de danser en toute liberté. Et heureusement ! Idem pour le chant, la musique, le théâtre… et la peinture !
Combien de fois ai-je entendu ce genre de phrase ? Ou alors : Je n’y arriverai jamais ! Ce n’est pas fait pour moi ! Je n’ai pas de talent pour me lancer dans la peinture ! Evidemment, j’essaie dans ce cas de rassurer la personne, et de lui faire comprendre qu’il y a de toute évidence un début à tout. Je sais que ce sont souvent les peurs qui parlent. Et comme je le dis souvent, les peurs me paralysent, me rendent agressif ou me pousse à fuir. Si personne n’avait le droit de s’exprimer à moins d’avoir du talent, la vie serait insupportable.
La culture n’est pas l’apanage d’une élite. Elle est la manifestation de la réalité créatrice propre aux êtres humains à des niveaux différents d’appréciation et d’expression. Je n’ai pas besoin de savoir dessiner ou peindre pour me lancer dans l’aventure de l’expression picturale. Aucun niveau requis n’est exigé. Il est évident que la seule motivation suffit et qu’il y a un début à tout. Si j’ai envie de peindre, c’est que la vie m’invite à cela. Alors, je donne une sucette à mon mental pour l’occuper et j’y vais !
Note :
Je tiens à rappeler au passage, que l’enjeu technique lors du moment de réalisation de son tableau, est étroitement lié à l’enjeu émotionnel qui caractérise le rapport intime que j’établis avec moi-même. L’attitude adoptée à l’égard de ma création est égale à celle que j’adopte dans ma vie quotidienne.
A titre d’exemple :
Si je suis quelque peu négligeant dans mon quotidien et que je l’assume pleinement, cela se reflètera dans ma peinture, même si je débute. Je saurai faire appel de façon intuitive aux justes techniques pour m’exprimer et accueillir avec satisfaction la négligence assumée de mon tableau. Idem si je suis exigeant. C’est lorsque l’exigence, la négligence ou tout autre état qui me caractérise n’est pas assumé que l’enjeu technique prend une ampleur démesurée et génère un conflit. Voilà pourquoi tous les repères techniques que j’apporte restent de simples repères.
Qu’ai-je à me prendre la tête avec la technique si je n’ai pas l’ambition de devenir un professionnel ?
Je crois que la cohérence esthétique et toutes les techniques inhérentes se développent avec la pratique. Ils peuvent certainement découler d’un simple bon sens.
Oser se lancer dans la peinture de mandala créatif
Pour pallier à l’angoisse de la toile blanche, je préconise de préparer une sous-couche relativement diluée (en glacis).
La sous-couche diluée avec plusieurs couleurs est accueillante et invite à la créativité, contrairement à un fond en aplat ou chargé en peinture qui aura tendance à se présenter comme une barrière à devoir franchir et susceptible ainsi de couper l’élan créatif. Je réalise au choix la sous couche avec un pinceau large, un chiffon, un film plastique froissé, une éponge, un tampon ou autre. Temps de réalisation de la sous couche: A peine une minute. La rapidité permet ici de déjouer les pièges du mental qui tenterait de vouloir contrôler le geste et le raidir. Or il n’y a rien à contrôler, juste à remplir l’espace de la toile vierge.
La sous-couche permet également de mieux gérer les petits espaces vides laissés autour des graphismes.
Astuce :
Les traces du pinceau ou les effets (etc..) accidentels peuvent être inspirants. Je les garde le plus longtemps possible...
Une fois la sous couche bien sèche, je peux décider d’envoyer balader toutes les techniques. Super ! J n’ai pas besoin de conseils précis pour le moment si ce n’est de tracer la structure basique (à la craie ou au crayon pastel sec pour pouvoir corriger facilement) : deux cercles périphériques, un carré et un centre. Et d’écouter mon intuition sans me prendre la tête. Ca fait un bien fou de s’exprimer librement sans attente d’un résultat final. Juste pour le plaisir de se défouler…
Lorsqu'il est structuré, il se conçoit d’abord sur une autre feuille (prémaquette) tandis que le semi structuré se dessine directement sur la toile et se modifie au gré de l’inspiration. Une fois la sous couche sèche, je trace à la craie sèche la structure de base.
Rappel :
Le symbole majeur dessiné au centre va me représenter. L’incarner permet d’établir avec moi un dialogue intime. Cela signifie que je prends conscience de ma puissance à travers ce symbole et laisse mon énergie circuler dans ses veines.
Précision :
Je peux tracer mon graphisme au pinceau ou à la craie.Dans ce dernier cas, je préconise de tracer la structure de son dessin à la craie ou au crayon-pastel sec pour pouvoir la rectifier et l’effacer facilement avec un bout de chiffon sec ou mouillé. Une fois que je suis satisfait de mon tracé, je peux éventuellement le repasser au pinceau. Je dis bien éventuellement car c’est l’expérience qui m’amènera à savoir la nécessité pour moi de fixer ou non le trait.
Les valeurs sont ici des couleurs posées en glacis
( couleurs très diluées) sur tout mon tableau. Ceci pour développer une vision d’ensemble de mon univers intérieur. Je précise au passage que la peinture acrylique est couvrante en cinq couches minimum.
L’empâtement éventuel,
se met seulement à partir de la troisième couche, sauf si je travaille au couteau, auquel cas je peux empâter dès la deuxième couche.
J’utilise le Gesso pour couvrir
les espaces qui ne me plaisent pas afin d’y mettre une couleur plus claire. J’appelle cela faire un pansement.
Je passe à la deuxième puis à la troisième couche
avant d’entrer dans les détails. Les couleurs deviennent de plus en plus empâtées, sauf si je souhaite travailler en transparence. Auquel cas je peux augmenter le nombre de couches.
Précision :
Les trois premières couches couvrent l’ensemble du tableau. Ce n’est qu’à la quatrième couche que je peux entrer dans les détails la cinquième couche est réservée aux touches finales lumière et d'ombre.
Rappel :
La peinture acrylique est couvrante en trois et cinq couches minimum. Je suis patient et j’accueille les traces de pinceaux des premières couches pour éviter non seulement les empâtements mais également l’inégalité énergétique qui doit se répartir également sur mon tableau. 7
Si je décide de me lancer uniquement dans une expression libérée de tout contrôle,
il est évident que si je lâche prise avec la peur de "mal faire", mon intuition me guidera, et je pourrais dans ce cas outrepasser les consignes techniques.
Rappel :
Souvent, la peinture spontanée permet de libérer un trop plein énergétique. J’ai donc raison de m’écouter. Quand j’avance avec foi, sans me retourner, je trouve un chemin de lumière même dans les ténèbres. Dans la peinture spontané, certains outils s’avèrent utiles : L’éponge, le film froissé, le monotype et aussi les mains... Peinture structurée. Une fois le dessin tracé, je peux commencer à poser la première couche diluée moyennement. J’appelle cela : poser les valeurs. Elles doivent être posées sur tout le tableau de façon relativement légère (couleur diluée) et uniforme. C’est du remplissage qui prend quelques minutes. Du fait que c’est une couche légère, je ne dois pas m’étonner de voir apparaître du vert si j’applique du jaune sur un fond bleu.
Astuce
1. Une fois la première couche (sous-couche non comprise) posée et séchée, je peux envisager de mettre du gesso (apprêt blanc) sur les couleurs que je souhaite voir apparaître plus vivement. Une fois sec, le gesso accueillera plus facilement la couleur choisie.
2. Si je me sens pressé, je n’hésite pas à utiliser un séchoir pour accélérer le temps de séchage.
Quelques techniques de baseConseil 1 |
Préparation du support (la sous couche)
Pour pallier à l’angoisse de la toile blanche, je préconise de préparer une sous-couche relativement diluée (en glacis).
La sous-couche diluée avec plusieurs couleurs est accueillante et invite à la créativité, contrairement à un fond en aplat ou chargé en peinture qui aura tendance à se présenter comme une barrière à devoir franchir et susceptible ainsi de couper l’élan créatif. Je réalise au choix la sous couche avec un pinceau large, un chiffon, un film plastique froissé, une éponge, un tampon ou autre. Temps de réalisation de la sous couche: A peine une minute. La rapidité permet ici de déjouer les pièges du mental qui tenterait de vouloir contrôler le geste et le raidir. Or il n’y a rien à contrôler, juste à remplir l’espace de la toile vierge.
La sous-couche permet également de mieux gérer les petits espaces vides laissés autour des graphismes.
Astuce :
Les traces du pinceau ou les effets (etc..) accidentels peuvent être inspirants. Je les garde le plus longtemps possible...
Conseil 2 |
Réalisation d’un mandala spontané
Une fois la sous couche bien sèche, je peux décider d’envoyer balader toutes les techniques. Super ! J n’ai pas besoin de conseils précis pour le moment si ce n’est de tracer la structure basique (à la craie ou au crayon pastel sec pour pouvoir corriger facilement) : deux cercles périphériques, un carré et un centre. Et d’écouter mon intuition sans me prendre la tête. Ca fait un bien fou de s’exprimer librement sans attente d’un résultat final. Juste pour le plaisir de se défouler…
Conseil 3 |
Réalisation d’un mandala structuré ou semi structuré
Lorsqu'il est structuré, il se conçoit d’abord sur une autre feuille (prémaquette) tandis que le semi structuré se dessine directement sur la toile et se modifie au gré de l’inspiration. Une fois la sous couche sèche, je trace à la craie sèche la structure de base.
Rappel :
Le symbole majeur dessiné au centre va me représenter. L’incarner permet d’établir avec moi un dialogue intime. Cela signifie que je prends conscience de ma puissance à travers ce symbole et laisse mon énergie circuler dans ses veines.
Précision :
Je peux tracer mon graphisme au pinceau ou à la craie.Dans ce dernier cas, je préconise de tracer la structure de son dessin à la craie ou au crayon-pastel sec pour pouvoir la rectifier et l’effacer facilement avec un bout de chiffon sec ou mouillé. Une fois que je suis satisfait de mon tracé, je peux éventuellement le repasser au pinceau. Je dis bien éventuellement car c’est l’expérience qui m’amènera à savoir la nécessité pour moi de fixer ou non le trait.
Conseil 4 |
Pose des valeurs
Les valeurs sont ici des couleurs posées en glacis
( couleurs très diluées) sur tout mon tableau. Ceci pour développer une vision d’ensemble de mon univers intérieur. Je précise au passage que la peinture acrylique est couvrante en cinq couches minimum.
L’empâtement éventuel,
se met seulement à partir de la troisième couche, sauf si je travaille au couteau, auquel cas je peux empâter dès la deuxième couche.
Conseil 5 |
Le gesso
J’utilise le Gesso pour couvrir
les espaces qui ne me plaisent pas afin d’y mettre une couleur plus claire. J’appelle cela faire un pansement.
Conseil 6 |
J'avance...
Je passe à la deuxième puis à la troisième couche
avant d’entrer dans les détails. Les couleurs deviennent de plus en plus empâtées, sauf si je souhaite travailler en transparence. Auquel cas je peux augmenter le nombre de couches.
Précision :
Les trois premières couches couvrent l’ensemble du tableau. Ce n’est qu’à la quatrième couche que je peux entrer dans les détails la cinquième couche est réservée aux touches finales lumière et d'ombre.
Rappel :
La peinture acrylique est couvrante en trois et cinq couches minimum. Je suis patient et j’accueille les traces de pinceaux des premières couches pour éviter non seulement les empâtements mais également l’inégalité énergétique qui doit se répartir également sur mon tableau. 7
Conseil 7 |
Expression libre
Si je décide de me lancer uniquement dans une expression libérée de tout contrôle,
il est évident que si je lâche prise avec la peur de "mal faire", mon intuition me guidera, et je pourrais dans ce cas outrepasser les consignes techniques.
Rappel :
Souvent, la peinture spontanée permet de libérer un trop plein énergétique. J’ai donc raison de m’écouter. Quand j’avance avec foi, sans me retourner, je trouve un chemin de lumière même dans les ténèbres. Dans la peinture spontané, certains outils s’avèrent utiles : L’éponge, le film froissé, le monotype et aussi les mains... Peinture structurée. Une fois le dessin tracé, je peux commencer à poser la première couche diluée moyennement. J’appelle cela : poser les valeurs. Elles doivent être posées sur tout le tableau de façon relativement légère (couleur diluée) et uniforme. C’est du remplissage qui prend quelques minutes. Du fait que c’est une couche légère, je ne dois pas m’étonner de voir apparaître du vert si j’applique du jaune sur un fond bleu.
Astuce
1. Une fois la première couche (sous-couche non comprise) posée et séchée, je peux envisager de mettre du gesso (apprêt blanc) sur les couleurs que je souhaite voir apparaître plus vivement. Une fois sec, le gesso accueillera plus facilement la couleur choisie.
2. Si je me sens pressé, je n’hésite pas à utiliser un séchoir pour accélérer le temps de séchage.
C’est la ligne frontalière entre deux couleurs qui se juxtaposent ou se superposent. Si par exemple cette zone est inexistante, cela donnera l’impression d’une ligne découpée au ciseau. C’est pourquoi je dois la gérer intelligemment pour ne pas laisser transparaître une maladresse technique. Cette zone peut être gérée de plusieurs façons.
Trois façons de gérer la zone de transition:
1. Le fondu• C’est un petit dégradé qui se fait (parfois spontanément) entre deux couleurs qui se chevauchent.
2. Le graphisme
• C’est tout ce qui a trait aux contours des formes. Je peux, par exemple, gérer la zone de transition en y faisant un trait au pinceau (avec l’arrête d’un couteau ou autre) ou en y mettant d’autres petits éléments graphiques (signes ou symboles).
3. La couleur de transition
• Couleur qui fait en quelque sorte office de trait d’union entre deux couleurs. Je l'appelle aussi couleur intermédiaire ou de chevauchement. Elle les met en lien.
Quelques techniques indispensables de peinture
Les dégradés
Les dégradés sont l’étirement d’une ou de plusieurs couleurs dans des nuances qui vont du clair au foncé.
La subtilité des couleurs
Je déconseille d’utiliser les couleurs primaires de façon franchement pure mais toujours nuancées. Ce sont les couleurs de base à partir desquels je crée mes propres couleurs personnalisées (nuanciers).
La transparence
Elle s’obtient par la superposition de couches très diluées (glacis).
L’aplat
Il consiste à appliquer la couleur de façon uniforme. L’aplat prend souvent toute sa force après plusieurs passages de couches. Ce n’est pas aussi facile que ça en a l’air car il faut bien gérer les zones de transition.
Les effets
Ils sont multiples. Il s’agit d’appliquer la couleur de sorte à créer une impression visuelle singulière et attirante. Les effets sont nombreux et peuvent se faire avec presque tous les outils (Il existe dans le commerce une multitude d’instruments conçus spécifiquement pour faire des effets).
Effet de fragmentation
Je pose la couleur avec peu d’eau en frottant à plat le pinceau, le couteau ou tout autre objet pour faire des traces irrégulières. Effet monotype Je pose une bonne couche de peinture sur une feuille et l’applique sur mon support ou inversement. Avant de retirer la feuille qui sert en quelque sorte de tampon, je peux ou non avec la pointe d’un crayon dessiner des formes qui produiront des effets de grattage, comme en gravure. Je peux faire cela avec un film en plastique, une plaque de verre ou de bois…
Effet tampon
Il permet de donner un effet au tracé qui masque les maladresses. Il est assez proche du monotype, à la différence que je découpe sur un carton dur la forme précise d’un symbole sur lequel je mets une bonne couche de peinture (plusieurs couleurs) avant de l’appliquer sur l’endroit souhaité. Même si le dessin est maladroit, l’effet produit semble l’intégrer plus facilement dans le tableau. Comme pour tous les effets, il est utile de faire des essais sur une feuille libre.
Effet sgraffite
Cela consiste à dessiner avec la pointe d’un crayon ou autre des symboles sur une couche de peinture encore fraîche, laissant apparaître la couleur de fond.
Autres effets
A l’éponge, au papier ou film plastique froissé, au chiffon… Je mets de la peinture sur l’éponge, par exemple, et je l’applique sur mon tableau. Je fais au préalable des essais sur une autre feuille pour éviter un empâtement non souhaité. Evidemment, la liste des différents effets possibles est longue et leur maitrise s’acquiert par la pratique.
Astuce : Je travaille avec au moins deux ou trois couleurs quand je veux faire des effets. Elles vont se fondre entre elles et apporter ainsi une subtilité chromatique à l’effet.
Technique d'approche du mandala collectifLes dégradés
Les dégradés sont l’étirement d’une ou de plusieurs couleurs dans des nuances qui vont du clair au foncé.
La subtilité des couleurs
Je déconseille d’utiliser les couleurs primaires de façon franchement pure mais toujours nuancées. Ce sont les couleurs de base à partir desquels je crée mes propres couleurs personnalisées (nuanciers).
La transparence
Elle s’obtient par la superposition de couches très diluées (glacis).
L’aplat
Il consiste à appliquer la couleur de façon uniforme. L’aplat prend souvent toute sa force après plusieurs passages de couches. Ce n’est pas aussi facile que ça en a l’air car il faut bien gérer les zones de transition.
Les effets
Ils sont multiples. Il s’agit d’appliquer la couleur de sorte à créer une impression visuelle singulière et attirante. Les effets sont nombreux et peuvent se faire avec presque tous les outils (Il existe dans le commerce une multitude d’instruments conçus spécifiquement pour faire des effets).
Effet de fragmentation
Je pose la couleur avec peu d’eau en frottant à plat le pinceau, le couteau ou tout autre objet pour faire des traces irrégulières. Effet monotype Je pose une bonne couche de peinture sur une feuille et l’applique sur mon support ou inversement. Avant de retirer la feuille qui sert en quelque sorte de tampon, je peux ou non avec la pointe d’un crayon dessiner des formes qui produiront des effets de grattage, comme en gravure. Je peux faire cela avec un film en plastique, une plaque de verre ou de bois…
Effet tampon
Il permet de donner un effet au tracé qui masque les maladresses. Il est assez proche du monotype, à la différence que je découpe sur un carton dur la forme précise d’un symbole sur lequel je mets une bonne couche de peinture (plusieurs couleurs) avant de l’appliquer sur l’endroit souhaité. Même si le dessin est maladroit, l’effet produit semble l’intégrer plus facilement dans le tableau. Comme pour tous les effets, il est utile de faire des essais sur une feuille libre.
Effet sgraffite
Cela consiste à dessiner avec la pointe d’un crayon ou autre des symboles sur une couche de peinture encore fraîche, laissant apparaître la couleur de fond.
Autres effets
A l’éponge, au papier ou film plastique froissé, au chiffon… Je mets de la peinture sur l’éponge, par exemple, et je l’applique sur mon tableau. Je fais au préalable des essais sur une autre feuille pour éviter un empâtement non souhaité. Evidemment, la liste des différents effets possibles est longue et leur maitrise s’acquiert par la pratique.
Astuce : Je travaille avec au moins deux ou trois couleurs quand je veux faire des effets. Elles vont se fondre entre elles et apporter ainsi une subtilité chromatique à l’effet.
Pour 6 à 10 personnes
Etape 1
Support : Papier ou carton.
Dimension : 1m X 1m. Temps de réalisation : ½ heure.
Sur un mur ou un chevalet : Je fixe le support directement sur un mur ou sur une planche que je pose sur une table ou deux chevalets selon la largeur de la planche. Je conseille de préparer un fond en glacis pour pouvoir décider plus facilement le moment d’arrêter et éviter l’impression d’inachevé. Quand je n’ai pas le temps de préparer le fond, j’invite les participants à s’arrêter dès que la couleur de fond du support (le blanc du papier, le marron du papier kraft ou le gris du carton) ne transparait plus.
Etape 2
Je trace à la craie ou au crayon pastel sec la structure de base avec le centre (trois cercles extérieurs et un carré)
Etape 3
• Dans un premier temps les personnes vont passer à tour de rôle.Une à deux minutes par personne. Puis deux par deux, trois par trois, etc… Je vais vite sentir comment gérer l’énergie du groupe. Ce n’est qu’une question de pratique. Si je laisse les participants y aller tous ensembles, ils seront serrés comme des sardines (je le fais à la fin). Du reste, c’est intéressant comme expérience de groupe. Je respecte les personnes hésitantes en faisant rapidement passer leur tour.
Sur une table :Je pose le support sur la table et répartis les palettes sur les quatre côtés. Puis je fais tourner les personnes autour de la table et non l’inverse, ce n’est pas une séance de spiritisme (lol). Je peux commencer par cinq minutes puis quatre, trois deux, une…Encore une fois, je m’adapte au rythme des participants.
Au sol : (Intéressant à partir de 8 personnes voire plus).
• Les participants vont peindre à quatre pattes. Je ne suis pas tenu de préparer un fond, c’est du boulot inutile !
• Pour le cercle, je le trace avec une ficelle... ou à main levée, il vibre davantage.
• Je pose les palettes de chaque côté de la table et invite les personnes à commencer par le centre. Le centre étant petit, deux ou quatre personnes suffisent amplement.
• J’attends que le centre soit plus ou moins fini avant de demander à ces personnes de laisser la place aux suivants pour poursuivre la réalisation de l'oeuvre, osons l'appeler ainsi !
Supports et matériel
Les supports
Tous supports: papier épais; toile ou carton toilé; cartons gris ou marron; bois divers (contreplaqué; laminé; verre; marbre; etc...). Les cartons et bois divers nécessitent au préalabled’être poncés et apprêtés avec du gesso (enduit blanc à base de colle). À défaut, une double couche de peinture blanche (ou d’une autre couleur) fera l’affaire.
Avant d’appliquer
la deuxième couche de gesso sur le bois brut, je le ponce avec du papier de verre (fin ou épais selon la rugosité du bois) pour retirer les particules de bois qui rebiquent après la première couche.
La toile, support favori des artistes !
Je conseille
au débutant de peindre sur une toile de coton déjà apprêtée. Les toiles de lin sont plus résistantes, certes, mais bien plus chères et destinées de toute façon à un usage professionnel. Je commence donc avec modestie…
Les formats
Traditionnellement carré.
La toile circulaire, je la sens comme une sorte de roue libre prête à me filer sous la main. Pour l’avoir testée, je ne m’y sens pas en sécurité. Je peux, bien entendu peindre sur un support triangulaire, hexagonal ou autre, pourquoi pas…
Les outils de base
La liste que je donne
ici est générale et non exhaustive et ne tient pas compte du support (papier, toile, carton, etc.) dont le choix appartient à l’artiste.
Un grand compas
de tableau (comme celui utilisé par les instituteurs).
Note: Pour tracer un grand cercle, il suffit de tendre la ficelle à partir d’un axe central et d'y attacher de l'autre côté un crayon.
Une règle
d’un mètre au minimum pour pouvoir tracer les diagonales sur une toile de soixante cm de côté. Au-delà, si je ne cherche pas la précision, je peux tendre une ficelle et l'utiliser comme règle.
Pinceaux brosses
pour acrylique (et huile) et pinceaux souples pour la gouache et l’aquarelle.
Le choix des numéros de pinceau se fait progressivement en fonction de la surface à peindre. Du reste, ils diffèrent d’une marque à l’autre. On trouve dans les magasins spécialisés des lots de pinceaux pas chers qui font très bien l’affaire pour débuter.
Peinture acrylique
et/ou gouache. En tube ou en gros flacons, selon l’usage. Couleurs de base: couleurs primaires (jaune, bleu cyan, magenta); couleurs secondaires (orange, vert et violet) et noir et blanc.
Gesso
(c’est un apprêt blanc, comme je l’ai déjà dit) pour enduire les cartons ou mettre un pansement pour modifier ou intensifier une couleur.
Divers :
Chiffons, éponges, palettes (assiettes jetables), spatules, papiers, pochoirs, crayons, gomme, cutter, tampons, vaporisateur, pots et objets divers sont autant d’outils que je peux trouver aussi bien dans les magasins de fourniture de beaux-arts que les magasins de loisirs créatifs selon mes besoins qui vont progressivement se clarifier.
L’énumération n'est pas limitative.
Je n’oublie pas
que je possède également cinq doigts dans chaque main. Autant d’outils non négligeables! Et pour cause, ce sont les outils de base de l’expression manuelle. J’utilise souvent mes doigts quand je peins. C’est presque instinctif. Il m’est arrivé de jeter la peinture sur ma toile (sans châssis) posée sur le sol et d’y danser pieds nus. C’est un moment magique!
En technique mixte, il faut, entre autres outils, de la colle, des crayons de couleur et des pastels.
Conseils pratiques Les supports
Tous supports: papier épais; toile ou carton toilé; cartons gris ou marron; bois divers (contreplaqué; laminé; verre; marbre; etc...). Les cartons et bois divers nécessitent au préalabled’être poncés et apprêtés avec du gesso (enduit blanc à base de colle). À défaut, une double couche de peinture blanche (ou d’une autre couleur) fera l’affaire.
Avant d’appliquer
la deuxième couche de gesso sur le bois brut, je le ponce avec du papier de verre (fin ou épais selon la rugosité du bois) pour retirer les particules de bois qui rebiquent après la première couche.
La toile, support favori des artistes !
Je conseille
au débutant de peindre sur une toile de coton déjà apprêtée. Les toiles de lin sont plus résistantes, certes, mais bien plus chères et destinées de toute façon à un usage professionnel. Je commence donc avec modestie…
Les formats
Traditionnellement carré.
La toile circulaire, je la sens comme une sorte de roue libre prête à me filer sous la main. Pour l’avoir testée, je ne m’y sens pas en sécurité. Je peux, bien entendu peindre sur un support triangulaire, hexagonal ou autre, pourquoi pas…
Les outils de base
La liste que je donne
ici est générale et non exhaustive et ne tient pas compte du support (papier, toile, carton, etc.) dont le choix appartient à l’artiste.
Un grand compas
de tableau (comme celui utilisé par les instituteurs).
Note: Pour tracer un grand cercle, il suffit de tendre la ficelle à partir d’un axe central et d'y attacher de l'autre côté un crayon.
Une règle
d’un mètre au minimum pour pouvoir tracer les diagonales sur une toile de soixante cm de côté. Au-delà, si je ne cherche pas la précision, je peux tendre une ficelle et l'utiliser comme règle.
Pinceaux brosses
pour acrylique (et huile) et pinceaux souples pour la gouache et l’aquarelle.
Le choix des numéros de pinceau se fait progressivement en fonction de la surface à peindre. Du reste, ils diffèrent d’une marque à l’autre. On trouve dans les magasins spécialisés des lots de pinceaux pas chers qui font très bien l’affaire pour débuter.
Peinture acrylique
et/ou gouache. En tube ou en gros flacons, selon l’usage. Couleurs de base: couleurs primaires (jaune, bleu cyan, magenta); couleurs secondaires (orange, vert et violet) et noir et blanc.
Gesso
(c’est un apprêt blanc, comme je l’ai déjà dit) pour enduire les cartons ou mettre un pansement pour modifier ou intensifier une couleur.
Divers :
Chiffons, éponges, palettes (assiettes jetables), spatules, papiers, pochoirs, crayons, gomme, cutter, tampons, vaporisateur, pots et objets divers sont autant d’outils que je peux trouver aussi bien dans les magasins de fourniture de beaux-arts que les magasins de loisirs créatifs selon mes besoins qui vont progressivement se clarifier.
L’énumération n'est pas limitative.
Je n’oublie pas
que je possède également cinq doigts dans chaque main. Autant d’outils non négligeables! Et pour cause, ce sont les outils de base de l’expression manuelle. J’utilise souvent mes doigts quand je peins. C’est presque instinctif. Il m’est arrivé de jeter la peinture sur ma toile (sans châssis) posée sur le sol et d’y danser pieds nus. C’est un moment magique!
En technique mixte, il faut, entre autres outils, de la colle, des crayons de couleur et des pastels.
J’ai le droit de déborder !
L’éducation familiale et culturelle
tend à vouloir nous barricader derrière des lignes frontalières : Tu t’es encore sali, ne déborde pas, mange proprement ! Pas avec les doigts, petit cochon ! Avec un tel conditionnement,il n’est pas facile de me mettre au diapason de ma nature profonde.
Tenue du pinceau: 3 positions
Le fait de tenir le pinceau à l’extrémité permet de garder une distance avec le tableau (recul) et de provoquer éventuellement des petits débordements (et tant mieux !). Ce sont précisément ces débordements qui facilitent le chevauchement entre les couleurs et font mieux passer mes vibrations émotionnelles.
2. Par le milieu.
Position intermédiaire qui est la plus courante.
3. Par la virole.
Cette tenue permet d’avoir une plus grande précision pour contourner les formes et entrer dans des détails pointus. A éviter si j’ai tendance à entrer dans les détails avec trop de précision, et/ou, si je veux que ma peinture porte davantage le mouvement vibratoire de ma sensibilité.
Note : Je conseille d’utiliser des pinceaux à manche long pour l’acrylique (cela permet de peindre en gardant un recul sur son tableau. Vous pouvez plisser aussi les paupières)
Conseil 1 :
Je place le matériel à ma gauche ou à ma droite selon que je suis gaucher ou droitier. Voire en face de moi. Ceci dit pour une raison pratique.
Conseil 2 :
Je n’hésite pas à utiliser un pinceau pour chaque couleur. Ne t’étonne pas si je te dis que je travaille avec au minimum dix voire davantage de pinceaux trempés dans des couleurs et des nuances différentes.
La palette
Dans mes ateliers, j’utilisais des assiettes en plastique (jetables) pur des raisons pratiques et pour ne pas polluer la fosses sceptique. A présent j'utilise de nouveau des assiettes en céramiques (blanches pour un aperçu correct de la couleur)
Divers
Les pots. Les bocaux en verre ou en fer, assez profond, sont plus stables que les pots en plastique. Ils vont, bien entendu, contenir l’eau qui servira à la dilution de la peinture et le trempage des pinceaux.
Un vaporisateur. Il peut se révéler utile pour rafraîchir les couleurs avant qu’elles ne sèchent sur la palette. Je recouvre chaque assiette avec une autre assiette et du film cellophane.
Conseil 3 :
J’évite de laisser tremper dans l’eau les pinceaux plus d’une journée. Les poils risquent de plier et de garder longtemps cette forme…
Nettoyage
Je rince les pinceaux à l’eau tiède avec du savon de Marseille ou de la lessive en poudre et les laisse sécher à l’envers (les poils vers le haut). Si les poils rebiquent, j’utilise tout simplement mes doigts pour coiffer les poils, sinon, je les enserre (quand ils sont encore humides) dans un film cellophane pendant vingt quatre heures.
Je rince les pinceaux à l’eau tiède avec du savon de Marseille ou de la lessive en poudre et les laisse sécher à l’envers (les poils vers le haut). Si les poils rebiquent, j’utilise tout simplement mes doigts pour coiffer les poils, sinon, je les enserre (quand ils sont encore humides) dans un film cellophane pendant vingt quatre heures.
